Un bestiario fantastico che si nutre di un immaginario gioioso e giocoso, quasi bambino. Autrice di questo mondo che lambisce i sogni e rasserena lo sguardo, laddove, invece, la contemporaneità, nella vita come nell'arte, troppo spesso ci riserva tristezza, malessere sociale ed esistenziale, angosce e, non di rado, incubi, é Elena Modelli, scultrice e ceramista di Imola, con una lunga storia di educatrice d'infanzia.

Un ruolo, quello di insegnante elementare, svolto con lo stesso entusiasmo che poi la vedrà impegnata come artista, e che le ha consentito di esplorare gli aspetti più genuini dell'animo umano che caratterizzano l'infanzia. È da lì che bisogna partire se si desidera cogliere fino in fondo la poetica e l'estetica nel lavoro di questa scultrice. Il suo universo artistico, specie in questi ultimi anni, é in continuo fermento, in un serrato susseguirsi di creature che prepotentemente reclamano un loro palcoscenico, un loro posto al sole. Nascono così variopinti e scintillanti cavallette, coccodrilli, scimmie ed elefanti: ironico e simpatico bestiario di grottesche creature dalla espressività possente quanto, non di rado, dal piglio affatto rassicurante, che vanno ad aggiungersi, a un universo idilliaco fatto di prati fioriti, coloratissimi insetti, simpatici ibridi, figure mitologiche, della più tranquilla produzione degli anni passati. In questa festa di colori e di immagini sarebbe quanto mai riduttivo guardare all'opera di Elena Modelli soffermandosi alla sola apparenza, cosi' immaginando l'artista mentre plasma con mani sapienti terrecotte destinate a compiacere soltanto lo sguardo.

C'è molto di più e c'è ben altro a sottendere il fantasioso lavoro di questa brava scultrice, in specie nel suo più recente bestiario.
Sono molte le citazioni e le affinità, non saprei quanto consapevoli o meno, che si possono individuare nel lavoro di Elena Modelli che rimandano ai grandi innovatori dell'arte di fine ottocento e del primo novecento, a partire da Paul Klee e dalle immagini favolistiche di certi suoi dipinti, soprattutto nelle costruzioni più semplici, nelle più elementari e a soggetto animale o legate alla natura, dove l'immagine si caratterizza per una voluta arcaica primitività. Figure che nella loro semplicità esecutiva si rivelano di grande fascino inducendo ammirazione e sollecitando sensazioni di piacevolezza allo sguardo dello spettatore, mentre al contempo ne scaldano il cuore. Una magia questa che non nasce a caso, né in Klee e nemmeno nella Modelli, ma che scaturisce da una sensibilità artistica capace di penetrare i segreti più nascosti della natura.

Sono, peraltro, molte le testimonianze dei critici che danno conferma della originalità e della forza espressiva delle opere dell'artista imolese e della loro vicinanza al lavoro di maestri dell'arte di ieri e di oggi, nonché di un lavoro che trova il proprio referente in linguaggi artistici ed estetici di civiltà e culture antiche. Scrive al riguardo il poeta e scultore Giovanni Scardovi "Quella di Elena Modelli è una scultura di combinazione cromatica forte e smagliante in cui l'animale viene descritto in chiave primitiva e trasfigurato con echi maya e atzechi che accompagnano queste figure plastiche grottesche ed eleganti. Magicamente espressive e crudeli queste immagini scultoree uniscono nella loro semplicità una regressione primitiva ad una visione panica che evoca il gioco infantile allegorizzando la paura". Mentre il critico d'arte Alberto Gross scorge nelle opere della Modelli "un'ipotesi di elevata leggerezza visiva che riconduce alla lezione di grandi nomi del fumetto nostrano come Altan e Jacovitti, passando – obbligatoriamente – attraverso lo specchio di Carroll". Certo è, che osservando le terrecotte di Elena Modelli, è difficile rimanere senza sentirsi coinvolti emotivamente, senza provare quello stupore e meraviglia come solo nelle fiabe, nei sogni più belli, può accadere. Sogni che evocano percezioni di luoghi lontani, ancestrali, sconosciuti, insondabili, misterici. Luoghi d'incanto cui solo al cuore è concesso di entrare in un viaggio verso l'eterno.
(Marilena Spataro) 

«Ad una persona sconosciuta, di una terra persa da tempo – Perché sicuramente quello che è scritto qui è successo prima. Dipende solo da noi se questo sarà una riflessione o una profezia», si legge all’inizio del libro “The incredibile Tide” di Alexander Key, il romanzo che ispirò Hayao Miyazaki per il suo Mirai Shonen Conan, conosciuto in Italia come il ragazzo del futuro, un anime trasmesso negli anni Settanta.

Sono parole che si ascrivono appieno all’arte di Francesco Ponzetti che si eleva con ideazioni immaginifiche dal magma del vissuto e dalla marea impetuosa che solca di emozioni il nostro vivere. Nelle sue opere vi è inscritta, con arte sublime di gesto e sabbia, l’impronta tridimensionale e coloristica del prima, ma anche del non ancora, riflessione e quindi profezia.
Luoghi chimerici ed onirici racchiudono il segreto surrealistico del magico, che si svela nel dipanarsi dell’esistente intessendosi di tasselli del divenire. Un viaggio ermeneutico, percorso dialogico continuo tra l’artista che crea ed il riguardante.
Navi volanti, sostenute dalla lievità della mongolfiera, vagano tra le pieghe del tempo abitate da architetture impossibili, fluttuano nella materia coloristica, pesanti eppure così lievi.

Altre opere, di carattere esistenziale, indagano la psiche umana. Il “funambolo”, in perenne equilibrio, pare rievocare metaforicamente il matto del mazzo dei Tarocchi, la cui peculiare posizione, il numero zero, incarna sia la fine sia l’inizio del cerchio, alla stregua del monociclo la cui ruota gira eternamente. Un pagliaccio, il Jolly delle tradizionali carte da gioco ma anche l’uomo che percorre sull’instabile marchingegno il filo sospeso nel vuoto e temerario sfida la stabilità all’inseguimento dei propri sogni, compiendo ciò che altri ritengono impossibile.

La tela denominata “l’ignoranza”, fa da contraltare alla virtù della temperanza: due duellanti in contesa nel cielo di una notte tersa d’oro. La luna piena illumina del  non sapere di Socrate (l’ignoranza alla base della conoscenza) e del mirar che è il rimembrar del Leopardi: «O graziosa luna, io mi rammento […]Il rimembrar delle passate cose, Ancor che triste, e che l'affanno duri!».
Vi è poi l’osservare dell’artista che si antropomorfizza nei suoi personaggi: è il sapiente guardar critico, una filosofia del lontano, citando Pirandello, espressa mediante il dono dell’ironia, cogliendo le sfumature e l’immensità che sfuggono nell’essere vicini alle cose del mondo. È una chiave dorata la sua mano: nel dipingere sublima ed accede alle porte intime del mistero, spalancandone allo sguardo, rendendole fruibili al segreto moto delle nostre emozioni. Racconta così ad una persona sconosciuta la terra immaginifica del tempo.
Paola Simona Tesio

Maestri del '900

VITTORIO GREGOTTI

Tra i massimi architetti contemporanei scomparso il 15 Marzo scorso, all'età di 93 anni.
Con il suo saggio “Contro la fine dell'architettura” già nel 2009 denunciava profeticamente i rischi di un mondo capitalistico globalizzato dove a prevalere è “una forma di potenza che sembra non avere più limiti”. E ciò a partire dall'architettura

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Nel quartiere Bicocca a Milano sorge il teatro Arcimboldi, realizzato nel 1997 - ©Getty Images

Sono passati circa undici anni dall'uscita di "Contro la fine dell'architettura", saggio denuncia di Vittorio Gregotti, uno dei maggiori architetti contemporanei, nonchè intellettuale a tutto tondo. Oggi, purtroppo, questo maestro del '900, nato a Novara il 10 Agosto 1927, non è più con noi, portato via da una polmonite lo scorzo mese di marzo di questo triste anno 2020, funestato dalla terribile pandemia di Coronavirus che tuttora tiene in scacco il mondo intero. Del grande architetto e urbanista piemontese, stimato a livello internazionale, ci rimangono decine di suoi lavori disseminati in tutto il pianeta: interi quartieri urbani, campus, fabbriche, stadi, teatri, palazzi ed edifici pubblici e privati, palazzetti dello sport, chiese e ogni altra opera che l'arte dell'architettura possa concepire. Cui aggiungere moltissimi testi universitari, Gregotti è stato docente in varie Università italiane e straniere, ovvero divulgativi, sia a carattere tecnico che teorico. Il noto professionista fece parte di quel gruppo di intellettuali e teorici, infatti, che animarono l’ancora oggi mitica rivista di architettura, urbanistica e design Casabella, di cui fu anche direttore per un certo periodo di tempo. A testimonianza e in omaggio alla sua levatura professionale, intellettuale e morale, nonche' all'impegno da lui profuso nel corso della sua vita a favore dell'arte e della cultura, riproponiamo sulle pagine dedicate ai Maestri del '900, un'intervista che l'architetto mi rilasciò nel 2009, all'uscita del suo saggio "Contro la fine dell'architettura". Un saggio che è un testamento spirituale e che, ora più che mai, ci risuona in alcuni suoi passaggi come una profezia, laddove, nella sua critica al mondo dell'architettura e dell'arte, allarga lo sguardo alla stessa società contemporanea e ai suoi tanti, troppi, malesseri. «L’architettura va rifondata. Partendo dalla rielaborazione del suo pensiero teorico. Per arrivare a una prassi che la affranchi dall’attuale sudditanza dalle altre arti. E che rischia di dissolverla». E' questo l’appello che Vittorio Gregotti volle lanciare a suo tempo, con il suo libro, dove, nell’aprire il dibattito su questo tema, scagliava parecchie frecce contro la spettacolarizzazione che di questa disciplina hanno fatto molti suoi eminenti colleghi. Le tesi sostenute, in «una riflessione ad alta voce», e supportate da un pensiero forte e da una profonda conoscenza del progettare, suonavano come uno spietato quanto lucido j’accuse nei confronti di una parte di suoi colleghi famosi: gli archistar «modaioli», «che hanno ridotto l’architettura a scandalo a trovata mediatica, decretandone la dissoluzione». Secondo il rigoroso, autorevole e un po’ burbero professionista, con un che di aristocratico nell'aspetto come nel pensiero, sono proprio loro i maggiori responsabili della «liquefazione» dell’antica disciplina del progettare. Ed è a loro che sul suo pamphlet ha diretto con sottigliezza d’analisi gli strali più acuminati della sua polemica, che, tuttavia, non hanno risparmiato nemmeno molti altri protagonisti della società contemporanea.

È firmata da Gregotti l'opera di riqualificazione del quartiere Bicocca a Milano, che ha occupato un arco di tempo che va dal 1985 al 2005.
Sono compresi gli edifici dell'università e i quartieri residenziali, opere che hanno trasformato completamente la zona - ©Getty Images

Lei, architetto, ha attraversato, con successo ed onori, la storia dell’architettura contemporanea da protagonista. Cosa l’ha spinta a scrivere un testo di severa critica del modo di fare architettura oggi, anche a rischio di attirarsi antipatie?

«È da cinquanta e più anni che scrivo libri, non lo faccio con la pretesa di essere un teorico, ma di chiarirmi con me stesso prima che con agli altri. Il mio intento è sempre stato quello di interrogarmi su dove si stia andando nel mondo dell’architettura e anche nelle arti figurative. Magari qualche critica, qualche antipatia me la sarò pure attirata, ma da parte di una minoranza. Ritengo che gli architetti con cui concordo al mondo ci siano, e che siano anche tanti». 

 «Nel settecento con l’Illuminismo, con la rivoluzione industriale e con la rivoluzione francese, le arti hanno assunto una certa responsabilità nei confronti della società e dei singoli soggetti politici, stabilendo, però, al contempo rispetto allo stato reale delle cose una diversità, una distanza critica. Negli ultimi '30 anni tutto ciò ha ceduto il posto a una forma di strano realismo, un specie di realismo capitalista. Ne è derivato, oltre che un disprezzo per il contesto storico e fisico dentro il quale ci si muove, una tendenza a conferire un eccessivo valore all’originalità, anche quando non è necessaria, alla bizzarria, alla grandezza fisica delle opere come dimostrazione di forza e di capacità che porta a un progresso visto secondo parametri di positività iper-liberali. Non è un caso che tutto questo sia avvenuto proprio nel periodo thatcheriano, cioè quando anche la convinzione complessiva del capitalismo globalizzato è diventata una forma di potenza che sembrava non avere più limiti. Dal punto di vista delle arti questo ha prodotto una specie di comunione tra le diverse discipline artistiche, avente al centro l’idea della multimedialità, intesa, però, come preminenza della comunicazione in relazione al consumo delle cose, il che ha generato un mondo statico, dove quello che conta è lo stile e dove tutto è diventato design e forma. Insomma apparenza e spettacolarizzazione. La mia critica vuole essere una reazione a questo stato di cose, che indica la necessità di ristabilire una differenza tra le diverse identità disciplinari. L’interdisciplinarità è un elemento fondamentale, è ed è stato un elemento di progresso, ma deve implicare che le discipline siano diverse tra loro, altrimenti non esiste possibilità di relazione; se lei ed io siamo la stessa persona non abbiamo niente da dirci».
       

«La liquefazione o dissoluzione dell’architettura deriva soprattutto dalla tendenza di mettere insieme le diverse arti, come se l’arte fosse un’unità al di sopra di ciascuna di queste. Invece ognuna ha una propria specificità, i propri strumenti, le proprie pratiche tecniche e artistiche. E quindi anche una propria identità attraverso cui dialogare con le altre. Il rapporto tra l’architettura e la pittura per esempio è sempre stato un rapporto importantissimo nella storia dell’Europa in questi ultimi mille anni. Ma naturalmente nessuna delle due ha tentato di diventare l’altra, invadendone il campo, ognuna ha cercato di lavorare all’interno della propria condizione del fare. Che è quanto oggi non accade. Un altro aspetto negativo è questo appellarsi continuamente alla creatività, che così diventa più che altro una citazione. E nulla più. Invece, io ritengo che nessuno si inventi le cose da zero, questo compito lo lascerei solo al buon Dio. Tutti noi modifichiamo, trasformiamo, cambiamo, aggiungiamo, proponiamo. È questo il ruolo che abbiamo sulla terra. Ovviamente l’opera ha sempre la pretesa di durare, di significare anche al di là dello stesso autore, e in effetti, i lavori artistici detengono questa qualità, parlandoci delle cose anche al di là delle ragioni per cui sono state costruite. Ecco secondo me, fare architettura, significa soprattutto questo».

 «Sì, credo che ci sia una grande confusione tra i monumenti e l’immagine di marca, le invenzioni linguistiche che si appiattiscono fino a coincidere con i desideri di sorpresa del mercato. Ci diamo tante arie parlando delle tecnologie, ma l’architettura non è un miracolo tecnologico. Quando oggi penso a un miracolo tecnologico penso alle possibilità di allungare la vita o di andar sulla luna, ma non certamente alla tecnologia dell’architettura, che è molto mista e molto complessa. Invece per i gotici era un grande sfida tecnica costruire una cattedrale».

«Sì, infatti non possiamo evitare di confrontarci con i problemi della società e di riflesso della politica, in un giudizio che coinvolge anche il fare arte o architettura. Questo confronto con la società costituisce, oserei dire, il contenuto politico dell’architettura. Tutto ciò è inevitabile, è qualcosa da cui non si può sfuggire e nei cui confronti bisogna in qualche modo, attraverso le opere naturalmente, non attraverso le parole, prendere posizione».

«La tecnoscienza certamente ha un’importanza colossale all’interno del mondo contemporaneo. Ma non si può confondere il suo fine con i fini della produzione delle pratiche artistiche. Sono due cose diverse. Bisogna evitare di pensare che il senso del possibile in architettura sia il suo mezzo. Questa è una differenza fondamentale su cui si deve aprire una discussione».

«Sono piuttosto pessimista. Personalmente mi sembra di avere troppo poco tempo per fare questa battaglia che ho intrapreso, speriamo che qualcuno la raccolga e la porti avanti».

 
Tra le opere a cui Gregotti era più affezionato e tra le sue ultime firme, il teatro lirico di Aix-en-Provence, in Francia (2003) (foto Google Maps) - ©Getty Images