quando la magia dell’acqua danzante incontra i mille colori e profumi di delicati fiori
La fontana danzante, progettata e realizzata da Forme d’Acqua, è studiata per coinvolgere il visitatore con un palinsesto di giochi d’acqua e colori, in perfetta sincronia con il ritmo della musica, per trasformare la fontana nel cuore attrattivo della piazza. Water Flower si sviluppa in una serie di elementi concentrici e disposti a raggiera su vari livelli destinati a superficie espositiva per fiori e piante che si integrano con la fontana stessa, creando una sorprendente scenografia green. Interamente realizzata in acciaio verniciato a polveri, la vasca di cinque metri è circolare ed integra un sofisticato impianto tecnologico che permette la realizzazione degli show musicali.
IL CENTRO, uno dei Centri commerciali più grandi d’Europa e vincitore nel 2016 del MAPIC AWARD come Best New shopping Center, è sorto proprio in quell’anno nell’area della storica fabbrica dell’Alfa Romeo. La riqualificazione di questa zona industriale ha raccolto tutte le opportunità che offriva quest’area, che è sempre stata un simbolo territoriale, sen- za distruggere totalmente la memoria del sito e dell’azienda. Forme d’Acqua è un brand internazionale di progettazione e realizzazione di fontane da interno e esterno che, grazie ad una grande esperienza e ad una solida rete di artigiani specializzati è in grado di soddisfare le più articolate esigenze nazionali e internazionali.
“La proposta di Iper La grande i, che abbiamo accolto con orgoglio e entusiasmo è stata sicuramente sfidante, sia a livello di design che di tecnologia - spiega Gianluca Orazio, CEO di Ecosistem, detentore del brand Forme d’Acqua - la passione per il verde che si traduce nell'altro brand E-Gardening con progettazione e servizi dedicati, la nostra vocazioneall’internazionalizzazione, a progetti innovativi e alla costante ricerca sia nel design che nella tecnologia affiancata da una forte e specializzata rete di artigiani, ci permette di essere partner affidabile per realtà di grandi dimensioni e così Water Flower ha preso vita nello Shopping Mall più innovativo d’Italia e insieme alla mia squadra non posso che esserne soddisfatto”.

...la Storia, il Sogno
...lo Splendore dell’Eccellenza!
Preziosa icona del Made in Italy.

Diciannove artisti con circa 30 opere per proporre quanto di più significativo e comunicativo potevamo esporre.
Uno “Scambio di opinioni” che la galleria ha promosso ai collezionisti portando a conoscenza anche alcuni artisti appena entrati a far parte della “famiglia.
Gli artisti che hanno esposto sono: Nicole Auè, Anna Maria Batignani, Raffaele Buda, Giusy Dibilio, Maurizio Diretti, Emanuela Fera, Tano Festa, Giusy Cristina Ferrante, Silvana Gatti, Laila, Paola Leonardi, Rita Lombardi, Marina Loreti, Annalisa Macchione, Anna Maggio, Romeo Mesisca, Mara Morolli, Mario Schifano, Anna Maria Tani.

“due minuti di arte”
IN DUE MINUTI VI RACCONTO LA STORIA DI PEGGY GUGGENHEIM, LA MADRE DELLE AVANGUARDIE.
di Marco Lovisco
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La storia non si fa con i sé e con i ma, ma ho il sospetto che senza Peggy Guggenheim forse non avremmo conosciuto artisti come Pollock o Dalì, e che la Avanguardie artistiche del Nove- cento probabilmente non sarebbero avanzate in Europa con la loro potenza innovatrice. Per questo, pur non avendo mai dipinto né scolpito, ho deciso di raccontarvi la storia di Peggy Guggenheim.
1. Peggy Guggenheim (New York, 1898 – Camposampiero,1979) è stata probabilmente la più famosa collezionista di opere d’arte del XX secolo. Nacque in una famiglia ricca e influente. Suo padre, Benjamin Guggenheim aveva fatto fortuna nell’estrazione dell’argento e del rame e nell’industria dell’acciaio. La madre, Florette Seligman apparteneva ad una delle più importanti famiglie di banchieri
2. Alla giovane Peggy però non interessava accumulare ricchezze e ai ricchi salotti borghesi preferiva gli ambienti delle Avanguardie artistiche, tanto che nel 1922 sposò Laurence Vail, uno squattrinato pittore dadaista. In quel periodo ebbe l’opportunità di conoscere molti di coloro che avrebbero scritto la storia dell’arte del Novecento: Marcel Duchamp, Brancusi, Man Ray.
4. Nel 1941 Peggy Guggenheim sposò l’artista Surrealista Max Ernst. Erano anni cupi per l’Europa: le truppe naziste avanzavano verso Parigi e Peggy, di origine ebraica, fu costretta a lasciare il vecchio continente con il suo nuovo marito, per trovare riparo negli Stati Uniti.
5. Il ritorno a casa segnò anche la fine della sua storia con Ernst, da cui divorziò nel 1943, ma la sua permanenza in America le permise di scoprire e far conoscere al mondo il maggiore esponente dell’Espressionismo astratto: Jackson Pollock.
6. Quando la guerra finalmente si concluse, Peggy Guggenheim tornò in Europa e acquistò a Venezia il famoso palazzo Venier dei Leoni dove trasferì la sua collezione, rendendola fruibile al pubblico.
8. Una curiosità: il Palazzo Venier dei Leoni prima di venire acquistato da Peggy Guggenheim era di proprietà della Marchesa Luisa Casati, che D’Annunzio battezzò “La Divina Marchesa” e che il poeta Jean Cocteau definì “Il più bel serpente del paradiso terrestre”. L’affascinante marchesa, famosa per le eccentriche feste e per le sue meravigliose stravaganze (amava passeggiare con una pantera al guinzaglio) fu costretta a venderlo negli anni Venti del Novecento, per provare a tamponare i debiti causati dal suo lussuoso stile di vita. Di sicuro è un Palazzo che ne ha di storie da raccontare!
9. Con Peggy Guggenheim il palazzo restò un punto di riferimento per la città di Venezia, diventando meta di artisti e intellettuali. La collezionista visse lì fino al 1979, quando si spense all’età di 81 anni. Le sue ceneri sono oggi conservate nel giardino del palazzo.
10. Prima di morire, Peggy Guggenheim donò la sua collezione veneziana alla Fondazione Solomon Guggenheim, fondata dallo zio nel 1937. Della Fondazione fanno parte anche il celebre Solomon R. Guggenheim Museum di New York e il Guggenheim Museum Bilbao.

la sua rocca e la sua signora, Caterina Sforza
Non era un edificio fatto per ospitare famiglie reali e personaggi importanti, ma per difendere il territorio e pertanto aveva ambienti piccoli ed essenziali, abitati dai militari. Non sappiamo se Caterina sia davvero mai rimasta in questo Castello. Era una donna dall’esistenza tumultuosa e dalle grandi passioni: sovrana abile e saggia ma anche spietata donna d’arme che non si risparmiava in battaglia, quando nascondeva le forme femminili sotto la pesante armatura e combatteva con un valore che non aveva nulla da invidiare ai suoi migliori capitani. Madre premurosa (ebbe tre mariti e dieci figli) e amante appassionata, era anche una donna colta e attenta al suo aspetto, che curava con ricette a base d’erbe inventate da lei stessa, per avere denti bianchi, pelle liscia e depilata, capelli ricci…
Nella Rocca di Riolo, da sempre presidio per questo territorio e quindi strettamente legata ad esso, così come la voleva Caterina, trova spazio anche un piccolo ma esaustivo Museo dedicato al paesaggio e al Parco della Vena del Gesso Romagnola, di cui Riolo Terme fa parte e la cui cima più alta si può ammirare dalle torri della Rocca.
Imola Faenza Tourism Company s.c.a.r.l

il riscatto della periferia
di Francesco Buttarelli

L'arte: al di là del moderno
di Giovanni Scardovi
L'assenza di narrazione che è pure assenza del mito, caratterizza il manifestarsi di molte opere della contemporaneità, questa deriva delle avanguardie porta a chiederci quanto dell'arte contemporanea sia ancora oggi parlante. Anche perchè scopriamo che proprio i moventi teorici che portavano le avanguardie a voler essere fuori dalla dimensione storica diventano invece abbaglianti bagliori del presente.

Il sacco di carbone di Kounellis ha la sua identità nel trasferimento in galleria, ma ora è ancora parlante questo transfert? Il linguaggio dell'arte oggi tematizzando l'oggetto, vedi Warhol, e manifestandosi attraverso l'oggetto, ha disertato la narrazione sostituendola con un parodismo estetico, ma se ieri l'orinatoio di Duchamp era provocazione linguistica oggi cos'è? La produzione di trovate dell'avanguardia Dada e Post diventa: “Un significante senza significato, esistente solo perchè esibito” e la galleria d'arte “la cappella della quotidianità” (Elemire Zolla), dove la contemporaneità esercita l'arte come abrogazione e banalizzazione dei significati. In sintesi quasi tutta l'arte della contemporaneità viene a manifestarsi nella “trovata”, diventata sostitutiva della conoscenza intellettuale dell'idea, vedi oggi il consenso dato alle performances figurative di Cattelan. La contemporaneità sembra procedere parodisticamente negando sacralità e mito, che invece fino a Burri nel suo“rattoppato pauperismo francescano” e a Fontana “nell'assolutezza gestuale del taglio” veniva a manifestarsi. La diserzione della complessità dei significati nella narrazione e la volontà ideologica dello “straniamento oggettuale” è stata assunta a comportamento e quasi tutta la contemporaneità dell'arte è diventata una inventio banalizzante avulsa dai contenuti, dove la sovranità dell'impoverimento ideativo la fa da padrona.
Il catalogo di C.etrA, muove dunque verso il riscatto di una creazione, che al di là della critica alla modernità, auspica un inizio e indizio di superamento della contemporaneità come idea postuma gravida di infelicità.
Al senso del tragico la contemporaneità ha spesso sostituito quella del comico, ma sotto la maschera che porta al riso, si nasconde sempre nella mutante e ciclica circolarità del ritorno, il volto tragico del dionisiaco. 

Nel segno della Musa - “Ritratti d’artista” Maestri del ‘900
Un'arte scultorea nata dall'intreccio fra tradizione poetica orientale e tradizione plastica occidentale. Un percorso artistico segnato da forte identità, profonda armonia ed equilibrio formale. Qualità che nel tempo hanno reso questo maestro giapponese uno scultore di livello internazionale.
Le interviste di Marilena Spataro
Quali le tappe più importanti del suo percorso d'artista?
«Finita l'Accademia a Tokyo come pittore, ho iniziato a interessarmi alla creta, modellando figure. Ho viaggiato a lungo visitando tutti quei luoghi dove l'arte occidentale è nata e si è affermata nel mondo, a partire dalla Grecia e dall'Italia. Ero e sono assolutamente affascinato dalle sculture dell'antica Grecia e da quelle etrusche, così come da tutta l'arte del vostro Rinascimento. Sentivo il desiderio profondo di iniziare un percorso scultoreo che partisse dalla vostra tradizione plastica e perciò decisi di venire per un certo periodo nel vostro Paese a formarmi in tal senso. Nel 94 arrivai a Faenza, conosciuta internazionalmente come una delle capitali della ceramica, per avviare il mio apprendimento dell'arte della terracotta e qui mi stabilii fino al 99».
«A Faenza ho trovato, più che degli amici, direi quasi dei familiari. Che praticamente mi hanno adottato. Qui ho studiato per tre anni all'Istituto d'Arte Ballardini sotto la guida del maestro Rontini che mi ha insegnato tanto sul fronte della scultura in terracotta. Nel 99 sono rientrato in Giappone. Ma a Faenza ci torno ogni anno e vi soggiorno per tre o quattro mesi. Appena arrivo mi immergo nel lavoro, ho la fortuna, infatti, di avere amici artigiani che mi ospitano nei loro laboratori. Per me Faenza é come una seconda patria e tornarvi mi dà sempre una grande emozione e un'immensa gioia. Peraltro, amo moltissimo tutto quella che è la tradizione artistica occidentale, in specie dell'Italia, con il suo Rinascimento e la genialità dei suoi incomparabili artisti. Un orientale come me, non può che restare assolutamente affascinato da quel senso di ordine e di geometrica perfezione che caratterizza sia l'arte occidentale, a partire da quella italiana del passato, che la sua stessa civiltà».
Quali le origini della sua particolarissima tecnica e del suo senso plastico che tanto l'hanno resa famosa a livello internazionale?
«Per rispondere devo fare un passo indietro nella mia vita. Quando nel 99 rientrai in Giappone dal mio lungo soggiorno faentino, cominciai ad avere seri problemi di salute. Al tempo giravo molto per il mondo, ma a un certo punto dovetti fermarmi per affrontare delle pesanti cure essendo affetto da una grave malattia. Io sono buddista per cui volli capire meglio le cause del mio male. Rivolsi così la mia attenzione e, di conseguenza le mie cure, innanzitutto alla mia parte interiore. Con il tempo, la pazienza e la positività del pensiero, riuscii a guarire pure nel corpo. Prima dei problemi di salute, realizzavo sculture piuttosto diverse da quelle che faccio oggi, dove tutto era luce. Può sembrare paradossale, ma fu proprio la malattia ad aprirmi nuovi orizzonti anche sul fronte artistico».
«Fu in quella occasione che colsi tutta la profondità del pensiero buddista, secondo cui la vita e la morte sono due aspetti complementari e non contrapposti, dove la luce e l'ombra, il pieno e il vuoto sono aspetti di un'unica esistenza, di un Tutto armonico, di un tempo unico, ciclico e universale, per intenderci qualcosa come il nietzschiano “eterno ritorno”. È l'armonia dell'essere e della natura che cerco di trasmettere con il mio lavoro. La mia tecnica del pieno e del vuoto, della luce e dell'ombra nasce da lì, da una profonda riflessione sul buddismo».
Quali sono gli aspetti, umani e naturalistici, che ama indagare maggiormente attraverso le sue opere?
«Come dicevo, sono gli aspetti dell'armonia dell'essere in una visione universalistica. Quindi non solo umana, ma anche della natura. Da anni prediligo scolpire, più che la figura umana cui mi dedicavo precedentemente, figure del mondo animale, in specie quelle considerate sacre nelle religioni e nelle maggiori civiltà del passato. Con questo affermando una visione filosofica ed esistenziale che mi appartiene, dove il sacro e l'armonia sono aspetti presenti in tutto il creato, sia esso riferito agli uomini, al mondo animale, vegetale e di ogni altro genere possibile».
C'è una componente etica, oltre che estetica, nel suo lavoro?
«Assolutamente sì. Il mio lavoro nasce da una visione che va alla ricerca dell'armonia dello spirito come della materia. Oggi, nella vita come nell'arte, è necessario cercare Armonia e Pace. A mio avviso è solo attraverso questa ricerca che possiamo affrontare tutte quelle minacce ambientali e umane che da tempo affliggono il nostro pianeta, mettendone a repentaglio la stessa esistenza. L'arte ha un ruolo molto importante nel diffondere questa sensibilità improntata ai valori del rispetto dell'uomo e di tutta la natura».
«Ritengo che l'arte contemporanea debba recuperare i valori della tradizione estetica e artistica del passato, per troppo tempo dimenticati. Una ripartenza dalla tradizione innestata ad una sensibilità moderna, nonché a nuove forme e tecniche artistiche, non può che ridare slancio e vigore a un'arte che oggi mi appare stanca e quasi sempre vuota, priva di anima e di un vero e profondo senso artistico e poetico, oltre che umano».
Quali i suoi progetti futuri. Quale un suo sogno ancora da realizzare?
«Ho alcune mostre in cantiere e un'opera monumentale che ho già progettato e cui sto già lavorando. Un sogno quest'ultimo che accarezzo da tempo e che spero di vedere a breve realizzato».

There was a boy
A very strange enchanted boy…
(Eden Ahbez, “Nature boy”)
di Giorgio Barassi

La mostra di Marija Koruga “Presenti/Present” e Ivana Tkalčić “BWPWP
“Back When Pluto was a planet”, a Zagabria
di Svjetlana Lipanović
Si è fatta notare alle varie esposizioni in Messico, Austria, Croazia, Olanda, Brasile, Vietnam, ed altri paesi. Inoltre, ha partecipato con i numerosi progetti nelle residenze artistiche in Austria, Belgio, Greca, Norvegia, Olanda, Italia e Polonia. La sua mostra che è stata prorogata fino il 19 settembre porta una citazione in cui si nomina il pianeta Plutone e, la Conferenza dell’ unione astronomica, a Praga durante quale, il 24 agosto 2006 si è deciso che non sarà più il nono pianeta. Sempre, nel 2006, il 26 agosto il Facebook è diventato accessibile a tutte le persone al di sopra di 13 anni e, in possesso della e-mail. La ricerca di Tkalčić è rivolta a dimostrare come e quanto la tecnologia può modificare la nostra coscienza e il modo di pensare. Un altro aspetto che trova interessante è la famiglia e l’influenza che la stessa produce tramite un’ eredità genetica sul individuo. Il suo studio si estende anche sulle prime percezioni del mondo che il bambino riceve dai ricordi familiari accompagnati con ormai ogni presente l’influenza della tecnologia moderna.

Le opere sono composte dalle costruzioni, collage, video registrazioni, i documenti dall’archivio. La metamorfosi voluta eseguita sui documenti che spesso contengono un forte messaggio sentimentale, avviene durante la lavorazione dell’opera che acquista, come per magia – un'altra vita e un altro significato.
Le due artiste croate con questa mostra hanno fatto vedere degli aspetti inusuali dell’arte con cui ci parlano dell’universo creativo femminile tutto da esplorare.