…dall’antico cammino di pellegrinaggio ai primi tre suggestivi interventi di arte contemporanea sulla Via Francigena.
di Marina Novelli
Luoghi tanto inconsueti quanto inaspettati, ma indiscutibilmente ricchi di fascino e di grandi emozioni quelli che la CoopCulture, ha presentato nel suo progetto di arte contemporanea lo scorso 12 Luglio e che, non a caso, ha voluto chiamare: Lo Spazio del cielo... nello spettacolare cammino della Via Francigena, esattamente nel tratto compreso tra Viterbo, Vetralla e Caprarola, compiendo un percorso semicircolare intorno al Lago di Vico, lago di origine vulcanica che vanta il primato di altitudine tra i grandi laghi italiani. È stato questo l’ambìto risultato tra i sette progetti selezionati dalla Regione Lazio nell’àmbito dell’Avviso Pubblico Arte sui Cammini. Lo Spazio del cielo rientra infatti nelle attività di valorizzazione e divulgazione del patrimonio paesaggistico, nonché storico-artistico, promosse da CoopCulture, la più grande cooperativa operante nel settore dei beni e delle attività culturali ed operante in ben 250 siti in Italia, tra musei, biblioteche, luoghi d’arte e di cultura, con il preciso obiettivo di avvicinare i diversi pubblici all’espressione artistica nei suoi molteplici aspetti e manifestazioni.
La nostra visita è iniziata con il suggestivo Campo sintonico dell’artista Matteo Nasini, consistente in un gruppo di quattro installazioni in acciaio corten (materiale particolarmente versatile adatto per architettura e design), posizionate nei pressi dell’area di lancio dei deltaplani all’interno della Riserva del Lago di Vico. Il titolo dell’opera offre una chiave di lettura dell’intervento appositamente concepito per Caprarola, e più precisamente alla sua località Poggio Nibbio. Luogo questo particolarmente esposto ai venti che dalle sculture vengono intercettati e di cui, dal loro infrangersi, vengono prodotti dei suoni, inaspettati, che con la loro armonia naturale amplificano notevolmente le suggestioni del paesaggio.
Dalle suggestioni di Caprarola siamo passati a Vetralla, al suo Fossato Callo, Strada Foro Cassio, dove la scultrice Elena Mazzi ha coniugato ben 300.000 anni in 344 centimetri! Una mirabile scultura realizzata dalla stessa e in collaborazione con l’artigiana svizzera, “scalpellina doc”, Regula Zwicky. Scultura consistente in una lunga lastra di peperino elevata per mezzo di un piedistallo in corten leggermente inclinato all’altezza della mano proprio per agevolare l’azione del “tatto” da parte dell’osservatore… sembra quasi un invito ed è infatti bellissimo poterla sfiorare! Sulla lastra di marmo è scolpita una sorta di mappa sensibile delle trasformazioni geologiche del paesaggio vetrallese, dovute principalmente all’eruzione del vulcano Vicano, a partire proprio da circa 300.000 anni fa. La scultura, a mio parere estremamente importante ed esteticamente bella anche a vedersi è l’esito di un percorso di ricerca condotto dall’artista sul territorio in collaborazione con geologi e naturalisti ed è di fatto un palinsesto di superfici e forme scaturite dai diversi fenomeni di pietrificazione delle lave. L’artista ci ha illustrato quanto in passato abbia condotto una serie di esplorazioni sul territorio, collezionando rilievi, mappe, disegni delle emergenze geologiche più interessanti e peculiari. D’ora in poi, viandanti e camminatori toccheranno la pietra, ripetendo il gesto di devozione dei pellegrini verso le icone sacre e proprio a causa di questo “accarezzamento”, la scultura si modificherà nel tempo. È pertanto importante aggiungere che la sistemazione naturalistica dell’area sorgiva di Fossato “Callo”, sulla Via Francigena del Nord, ha riguardato la messa a dimora di piante acquatiche autoctone, nell’intento di assecondare la naturale conformazione dell’alveo del Fossato “Callo”, nonché l’intervento manutentivo del Fontanile ha previsto la pulizia dalla vegetazione infestante e la risistemazione delle parti murarie del suggestivo complesso di vasche comunicanti costruite in muratura di peperino e pezzame, alimentate da una sorgente che sgorga dalla rupe tufacea.
Dulcis in fundo… la Lanterna termale! Siamo arrivati alla zona termale di Viterbo, Strada Bagni, dove l’artista Alfredo Pirri ha individuato nella guardiola delle Ex Terme Inps, tra i primi edifici pubblici che si incontrano lungo la Via Francigena alle porte di Viterbo, complesso che da anni versa in stato di abbandono, la possibilità di definire un segno tangibile per il camminatore in procinto di arrivare nella Viterbo stessa. L’intenzione è stata quella di trasformare questa piccola costruzione, un casotto di pochi metri quadri, in una “lanterna accesa”. Lo stesso Pirri afferma: “Adesso la palazzina sta lì, spazio vuoto e abbandonato, a controllare una confluenza di strade, cerniera simbolica fra pubblico e privato, campagna e città. È lì come una sentinella immobile, invecchiata e stanca che attende il cambio. La palazzina può diventare una scultura.

Due grandi passioni nella vita dell'artista Fausto Minestrini.
Nasce così la MINESTRINI MASTER CUP tenutasi il 15 Giugno 2019 presso il circolo dell'Antognolla.
L'idea geniale di Fausto è stata di coinvolgere gli allievi della sua scuola che chiamati a dipingere mentre i golfisti provenienti da piu parti della nazione si cimentavano.
Negli ultimi anni è nata una grande amicizia e collaborazione tra Fausto e lo scultore Paolo Ballerani, docente dei corsi di scultura presso la scuola Minestrini, e Paolo ha contribuito alla realizzazione di un pannello fatto insieme agli allievi della scuola, il ricavato della vendita del dipinto è stata devoluta per un'opera benefica.
Per la MINESTRINI MASTER CUP è stata realizzata una polo stampata con un particolare di un dipinto dell'artista, Fausto ha anche creato una serie di coperture “Kistyon”per mazze in pelle con stampato e ritoccato a mano, “cosi da renderle pezzi unici”, il particolare di un suo quadro.
L’artista perugino Fausto Minestrini abbandona gradualmente agli inizi degli anni ‘80 la figurazione per il segno e il colore lungo quei paesaggi dell’anima dove la materia si nutre di percezioni e simbolismi che alimentano il mondo dei sogni inespressi.
I suoi lavori si trovano in musei, pinacoteche ed importanti collezioni private in tutto il mondo. Ha fondato e dirige la “Scola Minestrini” frequentata da artisti italiani e stranieri. Il Maestro vive e lavora nel cinquecentesco “Mulino della Roscia” a Casa del Diavolo, magica località alle porte di Perugia.

di Rita Lombardi
I colori influenzano moltissimi aspetti della nostra vita. è stato dimostrato che sono in grado di alterare il sapore di cibi e di bevande e che hanno effetti sugli stati d’animo e sul comportamento.
L'aura e i suoi colori
Ogni essere vivente è avvolto da un campo elettromagnetico e informazionale (conosciuto da millenni con il nome di aura) che è connesso e scambia energia con il campo vitale universale in cui siamo immersi. Le aure variano nella forma e nei colori e ambedue gli aspetti sono connessi con tutto ciò che accade all’individuo, sia sul piano fisico che sul piano psicologico. Alcune persone, particolarmente dotate, riescono a percepire e/o vedere la forma e i colori delle aure. Ci sono aure molto luminose e piacevoli a vedersi, con colori puri e limpidi. In figura 1 possiamo ammirare un’aura uniforme azzurro cobalto che denota spiritualità e sensibilità; la riga verde chiaro è indice di solidarietà, compassione e adattabilità. Il verde smeraldo splende nell’aura di un individuo versatile, ingegnoso ed onesto. Il viola-lilla denota una elevata connessione con lo spirito. Un rosso-rosato con belle forme circolari rosa pastello colora l’aura di una persona che prova affetto, mentre il rosso vivo parla di passione e il rosso arancio vibrante è sintomo di intensa vitalità e di entusiasmo. Il giallo nell’aura è segno di un intelletto molto sviluppato e l’arancione di ambizione. Un uomo di scienza ambizioso avrà nella parte superiore dell’aura molto giallo brillante con zone arancione.
Conclude con l’esortazione: “lasciate che la vostra aura splenda sempre di più”.
I chakra (termine sanscrito) sono configurazioni a forma di vortice della struttura del nostro campo energetico ed han- no la funzione di immettervi l’energia proveniente dal campo vitale universale. I chakra principali sono sette e in condizioni ideali sono allineati lungo la colonna vertebrale (figura 3).
Nei testi esoterici orientali si dice che ognuno di questi chakra ha un certo numero di petali, che sono, in realtà, piccoli vortici che roteano ad altissima velocità. Il colore che si osserva in ciasciun chakra è connesso con la frequenza energetica che viene metabolizzata nella sua specifica velocità di vibrazione.
Il primo chakra o chakra della radice ha 4 petali rossi. Esso è connesso con la nostra volontà di vivere e fornisce energia alla colonna vertebrale, alle ghiandole surrenali e ai reni.
I chakra dal secondo al sesto hanno un aspetto anteriore e uno posteriore.
Il secondo chakra ha 6 petali arancione ed è connesso con le nostre emozioni, la nostra sessualità e la nostra sensualità. Fornisce energia all’apparato riproduttivo e al sistema immunitario.
Il terzo chakra, con 10 petali gialli fornisce energia al sistema nervoso, all’apparato digerente e alla milza. E’ associato al modo con cui abbiamo cura di noi stessi e come ci rapportiamo con gli altri.
Il quarto chakra ha 12 petali verde brillante ed è connesso all’amore e alla volontà. Esso fornisce energia al cuore, all’apparato circolatorio e al timo.
Il quinto chakra con 16 petali azzurri governa l’apparato respiratorio e la tiroide. è connesso con la comunicazione.
Il sesto chakra ha 96 petali blu-viola e fornisce energia alla base del cervello. Governa la realizzazione pratica e graduale delle idee e permette la comprensione dei concetti.
Il settimo chakra o chakra del vertice, con i suoi 972 petali viola orlati di bianco, fornisce energia alla parte superiore del cervello. è connesso con l’intuizione e permette l’integrazione con la nostra anima. Per preservare la salute è necessario che i chakra siano allineati e bilanciati. Il prof. Korotkov ha messo a punto un software con cui può effettuare una stima quantitativa dell’energia dei chakra e fornire informazioni sulla loro posizione. Spesso i chakra sono disallineati e di dimensioni inferiori alla nor- ma. Ad esempio una persona con problemi all’apparato riproduttivo avrà un secondo chakra fuori posto e con un basso livello di attivazione, una forte depressione o lo stress disallineano e svuotano di energia tutti i chakra.
La cromoterapia
La cromoterapia o terapia con il colore aiuta a purificare e ricaricare l’aura, a ricaricare ed equilibrare i chakra ed è un valido supporto per le terapie fisiche e psicologiche. Possiamo assorbire i colori attraverso cibi e bevande, esponendoci alla luce solare (per tutte le frequenze) o alla luce di lampadine colorate (per i singoli colori). Per equilibrare e ricaricare i chakra i cromoterapeuti usano i colori corrispondenti. Ora una piccola panoramica delle proprietà di alcuni colori. Si intende che questi colori devono essere nelle tonalità pure e limpide come quelle delle vetrate delle cattedrali. Il rosso ricarica il campo energetico e scalda le zone fredde, anche l’arancione ricarica il campo energetico e in più aiuta il sistema immunitario e l’apparato riproduttivo. Il giallo primula dà chiarezza ad una mente confusa, il verde è risanante. Un tenue colore rosa riequilibra, come il verde, il chakra del cuore e in più calma gli animi. (Le pareti di alcune prigioni in USA e in Svizzera sono tinteggiate con questo colore per tenere tranquilli i detenuti).
L’azzurro e il blu raffreddano le zone infiammate, rilassano e aiutano a conciliare il sonno. L’argento e il color lavanda purificano il campo energetico.
Il blu-viola libera la mente, facilita la visualizzazione e la creatività, mentre il viola dà pace e crea la connessione con la nostra parte spirituale. Infine il bianco aiuta ad alleviare il dolore, dà conforto e protezione. Secondo la cromoterapeuta tedesca Christa Muths tramite la respirazione di colori puri e limpidi e la meditazione su di essi è possibile contrastare atteggiamenti di base negativi, come depressione, rancore, rabbia, paura, ecc., e con il tempo e con l’impegno costante risolverli. Si inizia imparando a visualizzare ciascun colore. Secondo Christa Muths i colori che non riusciamo a visualizzare sono proprio quelli che ci mancano e sui quali dobbiamo insistere. Una volta imparata la visualizzazione si pratica la respirazione dei colori. Si tratta di inspirare il colore prescelto, visualizzarlo mentre riempie i polmoni, il torace e l’addome e visualizzarlo poi mentre si espira.
Per meditare su un colore, si può o visualizzare un grande pennello che colora il corpo e l’aura, oppure visualizzarci immersi in una bolla del colore prescelto.

…grazie al Polo Museale del Lazio ed alla ricchezza del suo territorio, che hanno consentito nuove ed “armoniose sinergie”!
di Marina Novelli
Marina Novelli

di Francesco D’Alconzo
Prefazione:
Nella visione artistica di Francesco D`Alconzo non è il mondo esterno a dover essere rappresentato: non serve qualcun altro che dia nuova forma ai girasoli o che scomponga l’essere umano fino a frammentarlo per dare concretezza al suo dualismo e alle sue lotte interiori.
D´Alconzo parla del suo mondo, della sua visione schietta e pura di come lui vede le cose e di come le cose si offrono a lui, servendosi di nuove tecniche, nuovi supporti, nuove dimensioni.
Il colore è emozione allo stato puro e mai casuale. In nessun caso utilizzato per fini meramente estetici.
La sua ricerca del bello si traduce in materiali e stili nuovi che si fondono e s’alternano dando vita a un’opera d’arte unica, come uniche sono le emozioni che ciascuno di noi prova osservando lo spazio fuori dal corpo e dai pensieri.
Le linee perdono i loro confini e delineano orizzonti e forme dai tratti stravaganti ma al contempo essenziali.
È proprio così che hanno forma le idee: da concezioni individuali talvolta un po’ strambe, forse imbarazzanti perché mai espresse, segregate, ma comunque soggettive e particolarissime.
È qui che prende forma l’arte di Francesco D´Alconzo: dalle idee, perché “Noi siamo fatti della stessa sostanza dei sogni, e nello spazio e nel tempo d’un sogno è raccolta la nostra breve vita” (W. Shakespeare, La tempesta).
E se noi siamo il riflesso di tutto ciò che proviamo, che sentiamo e che sogniamo allora la realtà non è quello che si manifesta fuori di noi.
Un’innovazione assoluta che solo D´Alconzo è riuscito a definire in modo consistente e autentico, portandosi avanti rispetto ai tempi moderni e riuscendo a scrivere un nuovo importante capitolo nell’evoluzione artistica dell’uomo.
Questa Prefazione non nasce con l’intento di anticipare la concezione creativa di D´Alconzo, definendo i suoi tratti stilistici. Bensì é un’idea, la mia idea: unica e solo mia, l’idea di ciò che questo immenso artista rappresenta e rappresenterà per l’evoluzione dell’arte così come la conosciamo.
È un’intuizione che voglio lasciare a te come guida per farti travolgere da un universo incontaminato e vergine come quello pensato e messo in atto da Francesco D´Alconzo. Abbandona ogni preconcetto, buttati alle spalle tutti i retaggi dei paesaggisti o degli astrattisti del passato: solo così, spogliandoti delle tue emozioni e inibizioni, potrai lasciarti condurre attraverso il futuro, una realtà ideale ma tangibile che è arrivata proprio adesso.
Agnese Agozzino
Ho prima immaginato, poi pensato ed infine in uno stato di meditazione concepito, dipinti e sculture che in quanto IDEA, così tali dovevano rimanere in forma archetipa.
Ovviamente, visto che il mio stilema non è affidato al pennello ed allo scalpello, un problema fondamentale è quello della comunicazione che, in questo campo, necessita dell’oggetto. La concretizzazione avviene in uno stadio successivo; capisco così di aver creato un meccanismo pioneristico però, se pur di fronte ad un’innovazione, mi sono rivolto al passato rivisitando il concetto di Bottega. Comunque anche la Bottega non poteva seguire la metodologia del Rinascimento, cioè un gruppo che lavora a stretto contatto.Ho dovuto dar vita ad un processo sinergico di vari autori specializzati in discipline diverse che lavorano indipendentemente l’uno dall’altro senza la necessità coadiuvarsi, ma il tutto sotto la mia egida e con il filo conduttore del mio pensiero che è l’opera vera e propria.
Il solo ruolo della tecnica è valido ed efficace, ma non sufficiente nell’attività di un artista che aspiri all’eccellenza.
Ogni persona può apprendere l’uso della tavolozza od altro strumento, ma tutto ciò, per quanto apprezzabile ed anche brillante, non potrà mai sostituire la marcia inesorabile di un fine intelletto, insieme al lampo della percezione.
Ciò che ovviamente nel tempo è cambiato sono le tecniche e le forme che l’arte visiva fa proprie. Ogni epoca parla con il linguaggio che le appartiene, anche se la permanenza di ciò che è stato, nessuna novità è capace di cancellare totalmente. Questi nostri tempi sono tor- mentati, basti pensare al Novecento che è stato il secolo più devastato della storia conosciuta, per esempio le due Guerre Mondiali. Il mio intendimento non è quello della rappresentazione negativa; ho voluto contrapporre a questa un messaggio, prima di tutto di riflessione e d’interiorizzazione che per forza di cose, non può essere realizzato tramite il figurativo e neppure con l’astrazione convenzionale. Quando i Maestri del passato dipingevano un’iconografia sacra, usavano il fondo oro perché era il metodo più idoneo per identificare la Divinità. Ritenendo poco opportuno questo tipo di ripetizione, ho risolto con il monocromo e con la sfera, in quanto elementi assoluti.
I miei quadri sono monocromi ed il monocromo fa parte della storia. Le mie “sculture” sono sfere che appartengono soprattutto ad un concetto minimale d’istallazione ed anche questo, ha i suoi precedenti.
Credo quindi che la novità consista proprio nel metodo creativo sopra descritto ed ancor più nel voler rappresentare il Sacro, una zona altamente spirituale. Voglio che le mie opere trascinino altrove in un mondo non previsto, in uno spazio ascetico che consenta di vedere la vita da una diversa prospettiva, insomma queste opere sono pensate e realizzate affinché, con tutti i loro mezzi, diventino fonte di sensazioni ed uno sprone alla riflessione.
Questo mio intento si presenta in modo talmente complesso da richiedere un approccio da molti sguardi, oltre a quello estetico; l’inserimento sulla tela di cerniere, borchie, cuciture o bottoni e nella sfera di un mosaico di diversi materiali e trattamenti cromatici, vuole essere l’invito e la dichiarazione, ad una pur momentanea chiusura verso lo spazio esteriore per un’apertura verso quello interiore. Ribadisco che la mia innovazione non è affidata prettamente alle componenti di cui sopra, nel pensiero che la pittura non dovrebbe essere soltanto competenza tecnica e gusto del bello, ma anche e soprattutto un fatto d’idee ed emozioni.
Se guardiamo i graffiti del Paleolitico, non posso credere che quegli uomini che incidevano e dipingevano sulla roccia pensassero semplicemente di propiziarsi forze naturali od invocassero la fortuna per la caccia. Questi nostri antenati avevano sicuramente una spiritualità e non è vero che non si sentissero artisti, hanno dato inizio all’arte che da allora, non ha mai cessato di esistere e di evolversi, ma sempre in un concetto di fantasia, d’innovazione e di pensiero. Le mie creazioni quindi, ritengo siano un’ulteriore evoluzione di quello che è stato il primario spirito creativo.
Inserti della tela come le borchie, i bottoni, le cuciture ed appunto le cerniere, sono elementi che hanno attinenza di tutt’altro genere, ma io li ho ripresi dal loro uso comune e trasportati nel campo dell’arte.
La sfera ancor meglio è rappresentativa del mio concetto di arte perché già di per se vi si vede l’Universo tutto e, in questa visione cosmica dove il cerchio rende l’dea di perfezione, ho voluto aggiungere vari elementi, non sempre cromatici, ma anche di svariati materiali come per esempio la radica o la stoffa, spesso grazie all’apporto di oggetti diversi nel concetto di rappresentazione del Creato.
Uno degli obbiettivi dell’arte è promuovere il dialogo; la sfera non avendo un inizio, una fine ed essendo nella mia composizione mutevole, può stimolare quest’ultimo tanto tra gli osservatori quanto con l’opera stessa in continuo cambiamento. Se prendo per esempio la “Scultura di Nebbia” di Fujiko Nakaya, rivoluzionaria perché utilizza come mezzo espressivo l’aria resa visibile, cioè un muro di nebbia che si materializza e poi si disperde, è sicuramente un opera in mutamento, ma non tangibile come la sfera che comunque è avanguardia.
Nel mondo dell’Arte Classica le opere sono apprezzate per la capacità che ha l’artista sia con il pennello sulla tela o lo scalpello sulla pietra. Nell’Arte Contemporanea i capolavori sono considerati tali più per l’idea che per l’esecuzione; il mio processo creativo parte dunque dall’idea e si conclude con la realizzazione di essa, ma con un percorso che si estranea dalla convenzione.
Francesco D’Alconzo
"Francesco DꞌAlconzo nei mesi di settembre/ottobre corrente anno è presente a Venezia a Palazzo Merati (per un periodo residenza di Giacomo Casanova) alla Mostra Symphonie de Couleurs a cura di Carlo Francesco Galli e Rita Calenda, direttore editoriale Gregorio Rossi; in contemporanea con la 58ª Biennale di Venezia, nel 2009 partecipò alla 53ª edizione nel Padiglione Nazionale della Repubblica di Costa Rica.
Nel 2007 era presente alla prima edizione di Symphonie de Couleurs, sempre a cura di Carlo Francesco Galli e Rita Calenda, catalogo a mia cura, in contemporanea alla 52ª Biennale a Palazzo Pesaro Papafava. La presenza di Francesco DꞌAlconzo a Venezia, tanto alla Biennale quanto a eventi in contemporanea, è quindi consolidata da molti anni”.
Gregorio Rossi

trasversali allegagioni d'arte
storia di un Minutolo
di Alberto Gross
Preferisco – per me – dirli vini di cuore, ma poco cambia.
La medesima lucidità li mantiene vivi, li rinnova nella mente e il desiderio di ritrovarli non è più grande del piacere di averli scoperti.
E' quanto mi è accaduto dopo avere assaggiato il “Kimìa” Puglia I.G.P. Tenute Chiaromonte: 100% Fiano minutolo, vitigno autoctono semiaromatico, lontano dal suo omonimo avellinese, nato da vigneti a spalliera nel territorio di Acquaviva delle Fonti, cittadina dell'entroterra barese dal suolo prevalentemente calcareo, ad un'altitudine di oltre 300 metri sul livello del mare.
Esuberante ma niente affatto spregiudicato al pari di una ninfa di Poussin, le sue spigolosità burrose ricordano la pennellata soffice e leggera di Boucher o Fragonard, elegante, raffinata, dietro la malizia esibita nasconde ingenuità, immediatezza e sottile armonia.
Per mitigare le tribolazioni della vita.

Aperta fino al 24 novembre l’Esposizione internazionale d’Arte che desidera stupire con le nuove tecnologie presentando una situazione eterogenea. Cosa vedere ai Giardini.
di Lara Petricig
fotografie di David Radovanovic
Cosa c’è da vedere ai Giardini? Un padiglione particolarmente coinvol- gente è quello russo con gli allestimenti dell’Hermitage di San Pietroburgo; i pavimenti e il soffitto in legno intarsiato e alle pareti una scenografia ispirata alla pittura fiamminga su pannelli in legno multistrato. Montati sui binari tipo ante di armadio scorrevole, hanno collegati dei cavi di luce rossa che evocano il meccanismo di empatia che si crea tra autore e fruitore del quadro che a volte si interrompe, e la relazione “cade a terra”, come il cavo. La parete protagonista mette in scena su più binari i visitatori-silouette del museo girati di spalle che, come delle marionette, si attivano meccanicamente ogni cinque minuti e ciclicamente ricomincia lo spettacolo. Nel rumore cadenzoso dei meccanismi in movimento, l’atmosfera è quella oscura di un luna park di altri tempi. Lo scenografo cinquantenne Alexander Shishkin-Hokusai, decide di dissacrare il ruolo dell’istituzione museale contemporanea che mettendo in dubbio le convenzioni si risolve in luogo dei divertimenti di un rito collettivo. Misteriosamente coinvolgente, una scena dentro una scena, dove i visitatori della Biennale guardano i visitatori-marionetta del museo. Il paradosso? In realtà è proprio il direttore dell’Hermitage a curare gli spazi russi con il progetto Lc. 15: 11-32, la parabola del figliol prodigo (raccontata nel Vangelo di Luca), rappresentata dalla copia dell’opera di Rembrandt dell’Hermitage Il ritorno del figliol prodigo, alcune grandi sculture ispirate al dipinto e vari bozzetti realizzati dagli studenti dell’Accademia di Belle Arti, due video installazioni religiose con cui il regista Alexander Sokurov contestualizza il grande pittore olandese nell’età contemporanea.
La Cecoslovacchia ha chiuso la mostra a causa di un albero caduto sul padiglione, che sfortuna! Il Belgio allestisce un presepio dei lavoratori e un titolo provocatorio Mondo cane. La Spagna indaga su spazio pubblico e spazio privato, insegna a riempire attraverso il respiro uno spazio vuoto (respiro oceanico) con un video-performance di due donne che inspirano e espirano al microfono.

in mostra a Voghera
a cura di Roberto Sparaci
Diretta da Arnaldo Calanca con il comitato scientifico composto da Renzo Basora, Luca Cortese, Gianni Maffi e Pio Tarantini, Voghera Fotografia 2019, momento di confronto e riflessione sulla comunicazione visiva, coinvolgerà l’intera città con un programma ricchissimo di iniziative: più di 250 fotografie esposte, sei progetti fotografici con le opere di oltre 25 fotografi italiani e stranieri fra i quali Harry De Zitter e Olivo Barbieri, una mostra dell’Associazione Culturale Cacciatori d’Ombra sulla via Appia, una collettiva sui “Transiti” contemporanei, una finestra su “I Giganti del Jazz” con cinque progetti fotografici e quattro incontri, oltre a corsi e workshop, incontri e talk, visite guidate, performance e videoproiezioni.
Infine, completano l’offerta visite guidate in alcune aziende locali come Cifarelli, Balma e Capoduri, Trenitalia, Officina Grandi Riparazioni, oltre alla possibilità di visitare i musei ed entrare all’interno dei palazzi storici della città aperti eccezionalmente per l’occasione.
Voghera Fotografia 2019 è organizzata e promossa da Spazio 53 – Visual Imaging in collaborazione con l’Assessorato alla Cultura del Comune di Voghera, La Provincia Pavese e photoSHOWall, e patrocinata da Regione Lombardia, Provincia di Pavia, Fondazione Cariplo, ASM, FIAF e UNICEF.

Statua Femminile panneggiata a Palazzo Altemps
a cura di Marina Novelli
Gremitissima la “Sala del Galata” di Palazzo Altemps, quando nel pomeriggio del 27 maggio u.s., malgrado una giornata estremamente uggiosa e carica di pioggia nonché un traffico letteralmente impazzito, è stata sede della presentazione alla Stampa del restauro della Statua Femminile Panneggiata, già di proprietà Ricordi. Nel 2018 la statua è stata ceduta allo Stato italiano in base alla legge 512 del 1982 che permette la cessione di beni culturali in pagamento delle imposte, e conseguentemente assegnata al Museo Nazionale Romano, nel suggestivo Palazzo Altemps, e quindi mirabilmente collocata nella “Sala della Menade”, accanto appunto alla Menade Veneziani, che a sua volta era stata ceduta in pagamento delle imposte nel 1997.

IN DUE MINUTI VI RACCONTO LA STORIA DI ANTONI GAUDÌ,
L’ARCHITETTO CHE HA DATO FORMA AI SOGNI
di Marco Lovisco
Barcellona non è solo la più importante città catalana, famosa per la movida che anima la Rambla fino al mattino, per i blaugrana che danno spettacolo al Camp Nou o per il Museu Picasso, imperdibile. Barcellona è anche uno dei più grandi musei a cielo aperto, ed è tutto merito del grande Antoni Gaudì.
Dalle spettacolari guglie della Sagrada Familia che sembrano costruite sulla sabbia, al viaggio senza tempo ai confini del sogno nel parco Güell; da Casa Batlló, con i suoi balconi che sembrano forgiati con ossa a Casa Milà, che i barcellonesi chiamano “La Pedrera”.
Le opere di Gaudì sono frammenti di sogno smarriti sotto un orgoglioso cielo catalano.
2. Il padre dell’architettura moderna, Le Corbusier (1887-1965) definì Gaudí: “plasmatore della pietra, del late- rizio e del ferro”. I cittadini di Barcellona lo battezzarono: “architetto di Dio”.
3. Nato nella Catalogna meridionale a Reus (ma alcuni sostengono fosse nativo di Riudoms), Gaudí ha sempre sostenuto i movimenti autonomisti volti alla protezione della cultura della lingua catalana.
4. Brillante architetto fin da giovane, uno dei suoi incontri più importanti fu quello con l’industriale catalano Eusebi Güell che gli commissionò alcune delle sue opere più importanti.
5. Tra queste va ricordata sicuramente il parco Güell a Barcellona, che costituisce uno splendido esempio dell’onirismo che permea le opere dell’artista catalano, maestro nell’arte di inserire motivi simbolici nei suoi lavori, integrandoli perfettamente con l’equilibrio e l’armonia delle forme.
6. A soli trentuno anni (1883) Gaudí viene nominato architetto capo per la costruzione a Barcellona del Tempio Espiatorio della Sagrada Familia, una monumentale basilica a cui l’artista dedica tutta la vita. L’opera è rimasta incompiuta (sarà terminata nel 2026), ciò nonostante è il monumento più visitato della Spagna.
8. Ossa, tronchi di alberi, archi naturali, stalattiti, rami: Gaudí, per realizzare la struttura dell’opera prende spunto dagli elementi naturali. Secondo l’architetto catalano infatti, ogni architettura crea un organismo a sé stante e come tale deve ispirarsi alla natura. Questa concezione delle forme avvicina l’arte di Gaudí all’Art Nouveau (in Italia conosciuta come “Stile Liberty”).
9. Il 7 giugno del 1926 Gaudí viene investito da un tram, i soccorritori, vedendo il suo aspetto dismesso lo scambiano per un vagabondo e lo accompagnano all’ospedale della Santa Croce, un ospizio per mendicanti. Viene riconosciuto solo il giorno dopo dal cappellano della Sagrada Família, ma ormai è tardi. Morirà il 10 giugno. Ai suoi funerali partecipano migliaia di persone. Oggi riposa nella cripta della Sagrada Famiglia.
10. Alcune delle principalI opere realizzate da Gaudí a Barcellona sono state inserite nella lista dei patrimoni dell’umanità dell’UNESCO, tra queste la Casa Vicens; i lavori di Gaudí sulla facciata della Natività e la cripta della Sagrada Familia; Casa Batlló e la Cripta nella Colonia Güel.