“Ritratti d'artista”

Maestri del '900

GIANNI GUIDI

Un mondo fantastico abitato da simboli, immagini surreali, archetipi. Tra pittura e scultura alla ricerca del senso dell'esistere

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Bolognese di nascita, ferrarese d'adozione. Gianni Guidi, classe 1942, testimone e protagonista dei fermenti artistici e culturali che hanno attraversato l'Italia negli ultimi 50 anni. Come era il mondo dell'arte, maestro, agli esordi della sua carriera artistica?

«Il mondo dell’arte negli anni della mia giovinezza era carico di suggestioni e molteplici sollecitazioni artistiche, poiché le avanguardie del ‘900 avevano determinato una fascinazione estetica e formale di grande impatto. Intrecci culturali quali psicanalisi, letteratura e archetipi dell’immaginario erano entrati in forze nel pensiero del tempo».

Quali sono i momenti, le situazioni e i personaggi del tempo più rappresentativi e che ricorda con maggiore emozione?

«Il grande dibattito del tempo verteva su astrazione e figurazione. In questa dialettica e nella molteplicità dei personaggi prodotti dall’arte del ‘900 le figure che ricordo con suggestione sono Paul Klee nella sua regressione fantastica e favolistica, Sebastian Matta per l’immaginazione surreale narrata in termini naturalistici».

Gianni Guidi pittore e scultore. Che rapporto intercorre tra queste due figure nel suo modo di concepire e di fare arte?

«Il rapporto che intercorre tra queste due attitudini è un rapporto di complementarietà: la fissità enigmatica nella suggestione plastica e l’istanza paesaggistica surreale nella pittura, dotata di libertà narrativa».

Dagli anni '80 la sua attenzione si è concentrata soprattutto sulla scultura, tuttavia negli ultimi tempi sembra esserci un ritorno alla pittura. Quali i motivi di queste scelte?

«Il ritorno alla pittura è nato dal desiderio di ritrovare l’origine del mio percorso. Una sorta di curiosità, dopo un arco di decenni, in cui ho sperimentato l’arte della scultura: cosa poteva aver determinato, oltre al cambio epocale, quell’esperienza? Poteva aver dialogato tacitamente con il mondo di colori e luci che vivevano nella pittura?».

Qual è la visione del mondo che desidera trasmettere con le sue opere?

«Il mondo, la vita, l'umanità costituiscono, nella loro sostanza, un mistero a cui quotidianamente siamo abituati, assuefatti, ma non per questo smettono di essere mistero. Perciò quello che trasmetto è un mondo trasfigurato da simboli, immagini surreali e archetipiche, nel tentativo di rintracciare significati sempre sfuggenti».

Quali le motivazioni esistenziali più profonde da cui prende le mosse il suo lavoro artistico?

«La scelta di intraprendere gli studi d'arte è probabilmente molto lontana nel tempo. Potrei azzardare che l'attitudine al segno e all'immagine visiva ha avuto inizio nell'infanzia, grazie a casualità fatali: una scuola particolare, una maestra particolare e attorno a me animali, insetti e piante che amavo disegnare. Forse sono proprio le casualità che rivelano attitudini e segnano le svolte esistenziali. Cosa c'è di più profondo?».

Pensa che l'arte oltre che una funzione estetica abbia pure una funzione etica?

«Oggi con funzione estetica intendiamo una sorta di riferimenti molto ampi sì, ma delimitati alla forma e al "bello"; anche le mode hanno un contenuto estetico. Questo può generare confusione, sostituirei l'aggettivo estetica con poetica, perchè l'arte dovrebbe sempre rimandare a contenuti, idee, soggetti significativi. Forse non tutta l'arte oggi è capace di "pensiero", ma io lo ricerco. Questo pensiero potrebbe condensarsi nell'etica, cioè in ciò che bene e male; per quanto mi riguarda il bene è nella conoscenza».

Quali i principali valori di riferimento per un artista nella contemporaneità?

«Se guardiamo alla contemporaneità senza ipocrisie e ideologie - per loro natura false - è evidente che i valori attuali sono circoscritti all'economia, al denaro, agli affari, al successo. Di fronte a questo panorama di non valori, mi sento estraneo, non so se in quanto o per indole».

A proposito di contemporaneità, lei come vive il mondo delle arti visive di oggi. Ci sono aspetti che si sente di condividere di più e altri di meno?

«Sì, esistono aspetti non condivisibili nel nostro mondo. Nella contemporaneità molte opere fanno parte di un esibizionismo effimero, che ha rinunciato alla tradizione, cioè a quella continuità che è l'unico appiglio per non abbandonare il filo d'oro della conoscenza».

Per i suoi lavori scultorei quali sono i materiali e le dimensioni che preferisce adottare?

«Il materiale con cui lavoro è l'argilla, per la sua duttilità e per l'attitudine mutante. Mi piace pensare che la creta sia la metafora stessa della creazione divina».

C'è un periodo storico, un ambiente letterario, poetico, artistico del passato, da cui si sente ispirato e di cui percepisce la vicinanza?

«Prediligo la letteratura classica tra '800 e '900 prevalentemente straniera, per fare qualche esempio autori come Honoré de Balzac, Thomas Mann, Lous Fernand Céline. Per quanto riguarda l'arte delle avanguardie storiche, che sono state importanti all'inizio della mia formazione, sento ancora l'impronta. Ma oggi guardo con ammirazione e interesse le opere e gli autori del passato».

Nel presente ci sono figure e ambienti artistici cui si sente identitariamente legato e/o motivazionalmente affine?

«Non so se il destino ha scelto per me o io ho selezionato persone e ambienti a cui sento di appartenere. So che mi sono allontanato da gallerie e gruppi non affini alla mia visione poetica. Il mio ambiente artistico è costituito da amici con cui condividere idee e attività».

Come si è evoluta la sua arte nel tempo. Se dovesse scegliere tra l'artista Gianni Guidi di ieri e quello di oggi chi sceglierebbe?

«Senza dubbio scelgo l’artista che sono oggi perché i principi estetici, forse posso dire filosofici, si sono definiti, superando gli influssi delle varie correnti artistiche. Oggi sono più vicino alla mia unicità che è uno dei significati importanti della ricerca».

Determinazione, libertà… contraddizioni che improvvisamente si assestano nell’Anima e mettono ordine nella nostra incoscienza, un piccolo grande mondo che non sapevamo di possedere e che improvvisamente si esterna nella sua totale bellezza. Questa è l'Arte di Giada Domenicone (DOM), una donna che usa la sua passione per  smuovere la coscienza del singolo essere umano  facendo uscire i pensieri dall immaginazione dandole un corpo, una forma, un colore … così quel pensiero diventa un’emozione condivisa, tangibile che si ferma  in quel tempo infinito che chiamiamo “eternità”.

“
L’ Arte ci salva, in primis, da noi stessi…perché attraverso le emozioni, attraverso la VERITA’ delle emozioni, ritroviamo il senso di appartenenza alla vita, ognuno alla propria ovviamente…”

Giada nasce a Roma il 14 agosto del 1983 e nel 2007  si laurea in Arredamento e Architettura degli Interni nella facoltà di Architettura Vallegiulia di Roma. 
L’ osservazione dello spazio, il propagarsi della luce nei colori, l’esigenza di esternare il suo pensiero l’ hanno spinta fin da bambina ad una ricerca interiore  che è divenuta negli anni più esplicita attraverso la pittura e la fotografia.

“L’ Arte mi da equilibrio, l’opportunità di trovare il mio Dio, la mia parte spirituale. Sono più che convinta che l’ Arte e la spiritualità non possano che convivere”

Attratta da sempre dalla forma che fonda un concetto, Giada ha sempre seguito un tipo di Arte concettuale e materica mirata alla conoscenza, all’ intima capacità di mettersi a nudo ogni volta davanti a se stessa concretizzando la grande opportunità che abbiamo di conoscerci fino in fondo, sfumando i limiti imposti da una società  materialista.

 Trova ispirazione nella lettura, nei sentimenti…in quel vortice emozionale che chiamiamo Vita, in se stessa, nel suo piccolo mondo condito semplicemente di quotidianità. Le sue opere sono composte da vecchi vinili, fotografie,giornali ,carta, legno e stoffa miscelati fra acrilico, olio smalto e carboncino dove il soggetto esce fuori dalla tela acquistando una tridimensionalità prettamente personale. Unisce l’arte grafica digitale e fotografica a quella pittorica contornata a volte da pensieri crudi, messaggi che racchiudono la voce del suo giovane spirito complesso.

 Utilizza spesso le parti del suo corpo per dipingere mettendo in ogni opera la sua autobiografia.  Il colore rosso, bianco e nero sono i più ricorrenti  perché dietro di loro si celano quei sentimenti a cui tiene di più. Li usa in maniera netta, senza nessuna sfumatura, come farebbe un bambino cercando di dipingere attraverso i loro occhi.

“I bambini vedono il sole giallo, l’amore rosso ed il mare blu non perché non conoscono le sfumature ma perché sono puri ed arrivano con estrema facilità all’essenza delle cose. Noi grandi con le nostre sovrastrutture abbiamo bisogno delle sfumature”

Giada Domenicone vive e lavora a Roma come architetto, Designer di Interni e Scenografa ed è una delle più grandi artiste contemporanee che grazie alla sua arte rende eterne le emozioni dando voce a quella parte silenziosa  e nascosta di noi che rende immortale il nostro nome: l’ Anima.

“NON USCIRE DA TE STESSO, RIENTRA IN TE: NELL’INTIMO DELL’UOMO RISIEDE LA VERITA’” – Agostino D’Ippona

Una possibilità di networking per aziende, agenzie, professionisti e università, che ha già all’attivo la nascita di numerosi brand e progetti di design su scala internazionale e che guarda con crescente interesse ai talenti dell’industria culturale italiana in un’ottica di investimenti e partnership.

Durante il Fuorisalone 2018 il Laboratorio Formentini per l’Editoria ha ospitato la mostra/evento “Outside the Ivory Tower: creativity makes a better life”, organizzata dall’unione tra il Guangzhou National Advertising Industrial Park e la Guangzhou Academy of Fine Arts (GAFA), che insieme formano una delle realtà più all’avanguardia del sud della Cina nell’ambito del design e dell’industria pubblicitaria, dove si integrano perfettamente sviluppo industriale, universitario e ricerca.

Curata dal designer e creativo Cao Xue, responsabile del Guangzhou National Advertising Industry Park, e patrocinata dalla Fondazione Italia Cina, la kermesse milanese è stata realizzata grazie alla fondamentale collaborazione di TVN Media Group, che ha dato la possibilità al pubblico italiano e internazionale di conoscere un “ecosistema” sinergico, riflesso di un paese, la Cina, sempre più protagonista all’interno del mercato globale, che ambisce al ruolo di prima potenza industriale entro il 2049 (anno del centesimo anniversario della fondazione della Repubblica Popolare Cinese) e che, sotto la spinta del piano “Made in China 2025”, sta puntando a un deciso ripensamento della propria industria.

Nel cuore di Brera ha trovato dunque spazio una panoramica innovativa su quella che, a tutti gli effetti, può essere considerata come la “Silicon Valley d’Oriente”, un hub leader nel campo dell’arte, del design e dell’advertising, in grado di sintetizzare l’essenza della filosofia e della cultura cinese attraverso concetti creativi unici.

“Come ha più volte sottolineato il presidente Xi Jinping – ricorda Cao Xue - la Cina continuerà ad essere aperta e pronta a collaborare con il mondo. Io stesso sono convinto del fatto che il mercato e l’economia cinese, oggi sempre più fiorenti, abbiano bisogno di coinvolgere design e industrie occidentali. In questo senso Guangzhou Advertising Industry Park e Gafa sono un canale diretto per la cooperazione. La Cina, proprio come l’Italia, vanta una lunga storia di tradizione artigianale. Diversamente dall’Italia, però, la Cina deve soddisfare i bisogni della più popolosa nazione al mondo e per far questo deve inevitabilmente ricorrere all’industria moderna e al design basati sulla produzione di massa. L’Italia, per la Cina, rappresenta un ottimo modello quanto a capacità di coniugare le antiche tradizioni con l’innovazione tecnologica e le sfide della globalizzazione”.

La Cina, dunque, come un mercato in continuo sviluppo, che punta deciso su qualità, innovazione e industria creativa, combinando la ricerca accademica con lo sviluppo industriale.  “Il piano Made in China 2025 - ha precisato Flippo Fasulo, Coordinatore Scientifico Centro Studi per l'Impresa della Fondazione Italia-Cina – mira a rinnovare completamente la produzione cinese con inevitabili ripercussioni sull'economia mondiale, e non dovrebbe essere ignorato da nessun imprenditore italiano".

Guangzhou, da noi chiamata Canton, è una delle regioni più ricche per commercio e industria di un Paese che si sta evolvendo e trasformando con una velocità incredibile. Le industrie cinesi stanno vivendo un momento di trasformazione all’interno del quale assumono un ruolo sempre maggiore la ricerca, l’innovazione e la creatività, a scapito delle dinamiche commerciali più tradizionali. Uno scenario che apre molte possibilità di collaborazione, soprattutto con l’Italia, visto che da sempre la Cina apprezza il valore della creatività italiana. Come hanno precisato Rino Moffa, Editore TVN Media Group, e Andrea Crocioni, Direttore di Pubblicità Italia, ciò che sta accadendo in Cina andrebbe seguito: “I cinesi riescono a fare sistema, facendo incontrare business, arte e accademia. Questo aiuta moltissimo l'industria. La Cina è il secondo mercato dell'industria pubblicitaria, in continua espansione, ma soprattutto capace di cogliere il cambiamento. Noi in Italia invece siamo troppo statici, poco propensi all'innovazione. Guardare a Guangzhou significa potersi migliorare. Perché adattarsi al cambiamento non significa rinnegare la storia".

La splendida doppia personale “Luci nella Città” di Anna Romanello – Domenico Pellegrino, è stata inaugurata il 5 aprile 2018 presso la Galleria “Borghini Arte Contemporanea” nel centro storico di Roma. L’evento, di rara suggestione artistica ha richiamato un numeroso pubblico presente al vernissage. Anna Romanello, artista performer conosciuta a livello internazionale per le sue mostre personali e collettive, ha esposto dieci opere inedite e due installazioni dedicate alla bellezza di Roma.
La Città Eterna è fonte inesauribile di ispirazione, cosi come i versi di Dante, Pasolini, Ungaretti e Ivan Vazov. Le poesie fanno parte dei quadri e sono visibili nelle foto tra le macchie di colori e i tracciati luminosi. Il percorso per realizzare le scene, quasi magiche, inizia dalle stampe fotografiche su acetato che immortalano le vedute romane e l’attimo fuggente dell’esistenza. Successivamente, sono elaborate a strati con le diverse tecniche dove predominano i segni luminosi, che unendosi alle immagini diventano un unico elaborato. Segni che vengono attraversati dalla mano dell’artista che lascia dietro di sé una traccia che la completa senza nasconderla. Il connubio riuscito delle immagini, la lucentezza dei segni crea delle realtà trasformate in modo innovativo.
Questi segni forti e violenti incidono il plexiglass e l’acetato rielaborando le scene, ma allo stesso tempo, non nascondono il soggetto rappresentato. Il raffinato senso del colore domina le creazioni con le tonalità calde della terra bruciata, dei colori naturali abbinati alle sfumature del grigio, dell’azzurro e del rosso. Stessi colori brillano nei collages ad acquaforte, così detti “strappi”, le macchie sparse illuminano un mondo di emozioni disteso sotto il cielo di Roma.

Vagamente, alcune opere ricordano l’universo artistico di Anselm Kiefer e il suo formidabile senso del colore indissolubilmente legato con la materia.

Le immagini fotografiche fanno parte di un allestimento realizzato nel giugno 2008 sulle sponde del Tevere per “Mediterranea - Festival della Letteratura e delle Arti”, in cui erano presenti anche testi poetici in diverse lingue e dedicati al grande fiume.

Scrisse Pier Paolo Pasolini nella “Poesia in forma di rosa”:

“ Come un fiume, che - nel meraviglioso

stupefacente suo essere

quel fiume-contiene il fatale

non essere alcun altro fiume”.

Al poeta è dedicata una delle opere esposte con i versi che emergono tra parole e immagini. La Città Eterna, sempre presente con le cupole delle chiese scure al tramonto infuocato, i ponti lontani simili a ombre di architetture romane, è un sogno poetico, simbolico, luminoso, spettacolare. L’esposizione, un vero omaggio a Roma, antica città color ocra, illuminata dalle incisioni, dipinta con le sfumature fiabesche, reinterpretata e pronta a vivere una esistenza nuova, colma di poesia, è un regalo di Anna Romanello agli amanti d’arte.

Nell’ambito della mostra Lea Walter ha rielaborato con una performance alcune delle poesie presenti nelle teche e il testo di Jean Rony “Romamor” dal titolo Topographie sentimentale. Durante l’esibizione piena di sentimento, ha tracciato le strade da percorrere in una città immaginaria. È stato un affascinante momento poetico ricco di emozioni.

nel sembiante di un oracolo

Alberto Bambi, Gianni Guidi, Sergio Monari, Giovanni Scardovi, Sergio Zanni, Mario Zanoni

Interventi critici di Alberto Gross, Francesca Tuscano

L'evento è promosso da:

In collaborazione con

Patrocinato dal Comune di Sarnano

La mostra di scultura “VERBA MANENT”. Frammenti per voce sacra nel sembiante di un oracolo, si svolge nell'ambito della manifestazione Sibilla: oracolo appenninico, che coinvolge i cinque Comuni "dell'Anello dei Crinali": Sarnano-Monte San Martino-Penna San Giovanni-Sant'Angelo in Pontano-Gualdo. Dal 23 Giugno al 2 Settembre in queste località l'Unione Montana dei Monti Azzurri promuove una serie di eventi letterari, scientifici, musicali, dedicati alla figura della Sibilla

I Monti Sibillini. Viaggio nell'arte e nelle bellezze dei paesi dell'Anello dei Crinali 

 a cura di Marilena Spataro

Sono tanti e di notevole pregio i “tesori” custoditi nei borghi marchigiani. Qui illustriamo alcune delle bellezze artistiche, architettoniche e paesaggistiche, dei cinque borghi che formano l'Anello dei Crinali, un percoso, appunto ad anello, che si snoda all'interno del territorio del Sistema Turistico Locale "Monti Sibillini. Terre di parchi e di incanti", poeticamente ribattezzati Monti Azzurri dal sommo Leopardi. L'Anello dei Crinali identifica un'area del Piceno in Provincia di Macerata, al confine nord-est del Parco Nazionale dei Monti Sibillini, caratterizzato da un paesaggio naturale fantastico, acronimo dell'intera regione. Il territorio è compreso tra i 400 metri sul livello del mare della zona collinare fino a circa 2000 metri dell'area montana. Il mare adriatico è raggiungibile in mezz'ora d'auto. Cinque sono i Comuni che lo definiscono: Gualdo, Monte San Martino, Penna San Giovanni, Sant'Angelo in Pontano e Sarnano.

Cominciamo la nostra escursione da quest'ultimo centro cittadino, il più vasto e più popolato dei cinque paesi .Posto su un’altura alle pendici dei Sibillini, Sarnano, è rinomato come centro termale, di villeggiatura e di sport invernali. L’abitato è composto da una parte moderna che si trova a valle e da un borgo medievale arroccato sul colle, tipico esempio di castrum. Gli amanti della natura possono godere della passeggiata che costeggia il fiume Tennacola fin dentro il Parco dei Sibillini.

Sant'Angelo in Pontano è un altro dei cinque paesi di cui ci occupiamo in questo nostro viaggio tra i “tesori del borgo” marchigiani. In epoca romana il suo territorio era probabilmente un vicus o un pagus. Con l'arrivo del Cristianesimo si diffuse il culto di San Michele Arcangelo che, ancora oggi, compare nel nome e nello stemma comunale. In epoca longobarda la cittadina aveva raggiunto una dimensione considerevole e faceva parte del Ducato di Spoleto, più precisamente nel Gastaldato di Ponte, da cui deriva "in Pontano" aggiunto al nome di questa località per distinguerla da altre omonime. Nel VII secolo fu costruito il convento Santa Maria delle Rose da parte dei benedettini e poco dopo il paese passò sotto il controllo dell'abbazia di Farfa. Nel X secolo prendono il potere nobili locali. Nel dicembre 1263, Sant'Angelo in Pontano diventa libero comune, ma dopo pochi anni si sottomette alla città di Tolentino, e successivamente a Fermo. Alla metà del XIV secolo, in seguito al tentativo del cardinale Albornoz di ridurre i castelli della Marca sotto il dominio del Papa, Sant'Angelo subì l'assedio e la conquista da parte delle truppe pontificie. Nel 1413 fu possesso dei Da Varano per poi tornare a Fermo, vent'anni più tardi, a seguito della campagna di Francesco Sforza. Ripreso dai pontifici, fu messo a sacco e gravemente danneggiato. Ben presto furono però riparati i danni e ritornò a far parte del territorio di Fermo di cui seguì le sorti sino al periodo napoleonico quando fu compreso nel Dipartimento del Tronto. Nel 1860, al momento della soppressione della provincia fermana, entrò a far parte di quella di Macerata. Tra i monumenti e i luoghi di maggiore interesse di Sant'Angelo in Pontano abbiamo la Collegiata del Santissimo Salvatore, la chiesa, in stile romanico-gotico, risale alla prima metà del XII secolo. L'interno è diviso in tre navate, di cui quella centrale ha il soffitto a capriate, mentre quelle laterali sono a crociera. La pianta divenne a croce greca con l'aggiunta di due cappelle laterali nel 1700. La cripta, come il campanile, è stata aggiunta nel XIV secolo ed è vasta quanto la chiesa soprastante, con archi in laterizio e volte a crociera. All'interno della collegiata sono presenti alcune pregevoli acquasantiere ricavate da antichi capitelli, mentre sul quarto pilastro di destra c'è un interessante affresco, da attribuire, molto probabilmente, alla cerchia dei Salimbeni di Sanseverino, raffigurante la Madonna con il Bambino. Nella Chiesa di San Michele, dedicata a San Michele arcangelo da cui il paese prende il nome, prima dell'attuale costruzione, era presente una cappella longobarda di cui un bassorilievo all'esterno dell'edificio tiene traccia. In un piazzale panoramico accanto al Convento degli Agostiniani, sorge la Chiesa di San Nicola, dedicata al patrono del paese. Costruita nella seconda metà del XV secolo sulla preesistente chiesa dedicata a Sant'Agostino e ristrutturata alla fine del '700, l'edificio sacro presenta all'interno la cappella di San Nicola, affrescata elegantemente e dove si possono ammirare pregevoli lavori di intaglio in legno eseguiti nei primi decenni del XVII secolo. Tra gli edifici laici suscitano interesse: la torre civica detta dell'orologio, le cui prime notizie risalgono al 1397; la Piazza Angeletti, cuore pulsante delle vita cittadina, la Rocca di San Filippo, risalente al XIII secolo ed in seguito ampliata, che si trova fuori del centro abitato e nelle cui vicinanza era presente una chiesa (XVII secolo) dalla quale la rocca prende il nome.

CalifArte – Gli artisti dipingono le canzoni di Franco Califano

Si inaugura il prossimo 19 maggio alla galleria Ess&rrE al Porto turistico di Roma

la mostra CalifArte, dedicata alla figura di Franco Califano, cantautore e poeta.    

L’ideatore dell’evento è Giorgio Barassi, consulente d’arte, che ha fatto esordire nella sua Puglia, nel novembre 2017 la mostra per una edizione ridotta con soli sette pittori partecipanti. Ora gli artisti sono 16, di diversa estrazione, espressione e impegno artistico, uniti dall’ intento di dipingere delle opere ad hoc sulla traccia dei testi di alcune canzoni scritte da Califano. Due dipinti per ciascun artista, che saranno esposti per una settimana ma rimarranno a disposizione della galleria e dei visitatori e collezionisti durante il periodo estivo, ricco di eventi d’arte organizzati dal manager Roberto Sparaci.

CalifArte è una prova di vicinanza tra le Arti, quella della scrittura per la musica e quella della pittura, che vede impegnati artisti del calibro di Lodola, Dall’Olio, Gallingani, Sansavini, Montuschi, Greco, Pellin, Gost, Herika, Frà, Conte, Campanella, Manzo, Kelly, Bassani e Manghi nell’impegno di interpretare con l’arte del dipingere i successi più noti e le canzoni meno conosciute del Califfo, cioè l’autore di “Minuetto”, “La musica è finita”, “E la chiamano estate”, “Tutto il resto è noia” e molti altri lavori rimasti indelebili nel ricordo dei fans e non solo. Califano, scomparso nel 2013, ha lasciato un patrimonio di scrittura abbondante e ricco di sfumature che variano dal tema preponderante dell’amore e delle sue più diverse sfaccettature, a temi sociali scottanti. Il suo impegno e la sua schiettezza espressiva, pagata sempre sulla propria pelle, ha fatto di Califano un autore atipico ma estremamente sensibile, romantico e malinconico. Tutti dati che bene si incrociano con i principi della creatività nella pittura, laddove il contesto circostante ha determinato sempre le scelte creative dei grandi artisti. E per quanto ogni pittore si esprima con la propria arte, l’universalità del tema affrontato è la base da cui si dipana l’operazione artistica.

CalifArte ha come obiettivo quello di girare per l’Italia, magari sulle piste dei luoghi amati da Califano, tra i quali va messo al primo posto, a pieno titolo, la sua Roma. L’iniziativa è vista con favore dalla Fondazione Califano Trust Onlus, attiva subito dopo la scomparsa del Califfo nel 2013. Alcuni rappresentanti della Fondazione e il nutrito stuolo di fans del Maestro assicurano la loro presenza. Si inizia alle 17.00 con la presentazione delle opere, per rimanere in riva al bel porto fin oltre il tramonto, con l’intervento musicale del gruppo “Grazie Califfo!” e la presenza di alcuni dei pittori partecipanti all’iniziativa. Saranno presenti: il Presidente della Fondazione Califano Trust Onlus Antonello Mazzeo, la Sociologa e criminologa Tonia Bardellino, lo scrittore Paolo Silvestrini. Da Roma e dal suo antico sbocco sul mare parte l’avventura nazionale di CalifArte, che Sparaci e il direttore artistico Sabrina Tomei, insieme a Barassi intendono far viaggiare come in una tournée che porti la bella pittura italiana e gli echi della musica e delle parole di Califano a dare una ventata di aria rinnovata nel complesso panorama dell’arte contemporanea.

Dal 19 maggio al 3 giugno 2018 dalle ore 17.00, Porto Turistico di Roma.

Catalogo in galleria (testi di Giorgio Barassi, Sabrina Tomei, Roberto Sparaci ) edito da Acca Edizioni Roma.

INFO: www.accainarte.it -  Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. È necessario abilitare JavaScript per vederlo.

Tel. 06 42991091 – 329 4681684 – 347 4590939